“La nature de la communication entre les sexes est prédéfinie dans notre société. Les règles de comportement que notre société imposent aux hommes et aux femmes peuvent être démontrées sous une forme physique. L’escalator, composé de marches descendant vers le bas, démontre les systèmes de communication existants en cinq phases distinctes. Un homme et une femme sont reliés par une corde attachée autour de leur corps.”
(VALIE EXPORT)

“Tout a été fait de manière purement intuitive. Il n’y avait pas grand-chose à considérer, et tout devait être fait très rapidement.”
(Kurt Kren)

“Le premier film de Kren d’une “action” de Günter Brus. Ce film de trois minutes s’apparentait beaucoup plus au “happening” à l’américaine en ce sens que son contenu n’était pas particulièrement extrême. Il était construit à partir d’objets tels que des pièces de bicyclette cassées, un mannequin nu, des meubles, et ces éléments étaient ensuite masqués ou transformés par une couche de peinture. Kren filme de courtes séquences sous de nombreux angles différents, en utilisant un film noir et blanc très contrasté pour créer un effet qui n’est pas sans rappeler celui d’une peinture de Robert Kline.”
(Stephen Dwoskin)

“Puis vient le premier film de Kren avec Günter Brus - 8/64 Ana - Aktion Brus. Le style expressif auquel Kren est soudainement confronté lui fait abandonner la sérialité et le montage flash. Sa réponse est la “Grande Abstraction”. La photographie gestuelle libre correspond au pathos de Brus ; Kren injecte des images de la désintégration du Tachisme sur la bande de film. Alors que le montage flash avait rendu les actions de Mühl délirantes, les qualités répétitives avaient assuré que ” l’ornement en mouvement ” était toujours lisible. Le procédé de l’image unique que Kren utilise pour enregistrer l’action de Brus, comme s’il écrivait avec sa caméra, rend l’image presque indiscernable.”
(Peter Tscherkassky)

“Mon intérêt pour le cadrage individuel en tant que noyau de la création d’un film s’est exprimé très tôt dans plusieurs œuvres basées sur des images statiques ou des agrandissements de cadres photographiques, notamment Liebesfilm (1982), Sechs über Eins (1982) et Motion Picture (1984).

Dans le cas de Ballett 16, 256 agrandissements d’un mouvement de danse continu ont été découpés en 16 segments, chacun composé de 16 images. Ces segments ont été réarrangés et rephotographiés image par image. La composition synthétique du mouvement qui en résulte a été re-photographiée sur un écran tournant à deux fois sa vitesse normale afin d’accélérer le film final. “
(Peter Tscherkassky)

“Le matériel de base consistait en une trentaine de photos montrant quelques amis proches, et un cochon mort que nous avions trouvé sur une route. Les photos du cochon sont utilisées comme un montage de mouvement symétrique. J’ai pris des photos appropriées et inversées gauche/droite qui sont déplacées symétriquement d’avant en arrière sur l’axe central.
La scène d’introduction montre la “Naissance de Vénus” de Botticelli, avec un fondu enchaîné des figures des deux côtés et à la suite du titre, également Vénus avec un montage symétrique de cochons. Un détail de l’image de B. apparaît à la fin du film sur l’emballage d’un désodorisant à la lavande (snif). Trois chansons des Beatles agrémentent le spectacle avec leurs textes. Le cochon est utilisé comme symbole de la femme en tant que victime. Il représente également toutes les associations proverbiales avec le cochon : pauvre porc, cochon dégoûtant, cochon avide ou il peut faire allusion à une porcherie ou à un cochon dans une cage, etc. Les amis apparaissent comme : deux femmes qui dansent, deux amants, une bite, une tête qui change de sexe, etc. Une partie des photos a été réalisée par Marc Adrian”.
(Moucle Blackout)

24 formules sur le médium film / 24 citations sonores sur l’histoire du cinéma / 25 images d’un clignement d’œil.

Film est le mot qui remplit l’écran, blanc sur vert, silencieux. Et puis les choses commencent à bouger, l’écriture roule et les impressions crépitent. Plus, cependant, vers les passages de l’oreille que dans la direction de la rétine, même si l’on voit un œil encore et encore. Un œil - seul et plus grand que nature - une personne disséquée et un film pour les oreilles. Pas seulement dans les films de Gustav Deutsch et pas seulement parfois, le cinéma suit une logique alambiquée.

24 termes associés au cinéma - de la nourriture pour les oreilles et les yeux - 24 films minimaux de deux secondes sur l’art audiovisuel. Vous lisez “mémoire” pendant qu’un orchestre joue une abréviation chargée d’émotion représentant tous les flash-backs de l’histoire du cinéma. Vous lisez “propagande” au son d’un court roulement de tambour guerrier. “Langage” apparaît et une voix inconnue postule, à juste titre, Godard. “Passion” est un court dialogue entre des amoureux de l’écran et “Lumière et ténèbres” une salve de coups de revolver percutants.
Le cinéma est un champ de bataille et un amour fou, un temps entre deux clignements d’yeux ou un territoire artificiellement délimité entre deux signaux sonores.

Il s’agit peut-être d’un film publicitaire, mais c’est un film qui laisse de côté son objectif, car en quelques secondes, des milliers d’aspects de la vision, de l’écoute et de l’amour du cinéma sont réunis en une coquille de noix - une “cinéphilie” comprimée.
(Stefan Grissemann)

“Un film, c’est une fille et un fusil” : Lorsque Elisabeth Büttner a vu la bande-annonce du film VIENNALE de l’année dernière, elle s’est souvenue des mots de Godard et les a repris dans une critique. Cela m’a donné l’idée de rechercher des théories, des formules et des slogans aussi réduits et absolus sur le cinéma. 24 de ces slogans, accompagnés de 24 “citations” de 2 secondes tirées de bandes sonores de films, interrompues par 24 images de mouvements oculaires, encadrées par la phrase “FILM is more than FILM”.
(Gustav Deutsch)